0

Entre Noticias dese a todos un muy feliz "Thanksgiving" o "Día de Acción de Gracias", aunque invitando también a conocer la historia verdadera en contexto sobre fechas tan significativas como la que se celebra hoy en Estados Unidos.

“El que busca la verdad corre el riesgo de encontrarla” : Manuel Vicent

La historia oficial sobre la celebración del Thanksgiving o día de Acción de Gracias, dice que data del año 1621 en la colonia de Plymouth, a donde había “llegado” un grupo de peregrinos, quienes después de un despiadado invierno y con la ayuda de los nativos del lugar, lograron tener una abundante cosecha, y en agradecimiento al Creador, celebraron con una gran comida lo que muchos estiman como la “bendición fundacional” de la nueva nación bajo la “protección especial del creador”.

Lo que la historia oficial no dice es que la verdadera historia del Thanksgiving involucró una sangrienta conquista y la masacre de indios que se negaban a entregar sus tierras a los invasores.

Howard Zinn, el legendario historiador estadounidense, autor del célebre libro A People’s History Of The United States (La otra historia de los Estados Unidos), es una de las voces que han retado desde la historia la narración idílica del Thanksgiving.

“Los virginianos de 1619 necesitaban desesperadamente mano de obra para cultivar suficiente comida como para sobrevivir. Entre ellos estaban los supervivientes del invierno de 1609-1610, el llamado ‘tiempo de hambruna’ o ‘Starving Time‘, cuando, enloquecidos de hambre, erraban por los bosques en busca de frutos secos y bayas, abrieron las tumbas para comerse los cadáveres, y murieron en masa hasta que, de quinientos colonos, tan sólo quedaron sesenta”.

 
Howard Zinn señala que la razón principal de la invasión de Inglaterra a Norteamérica y por la que masacraron casi hasta el total exterminio a sus pueblos originarios fue su voracidad, su codicia por sus tierras.

“Los ingleses desarrollaron una táctica guerrera que antes había usado Cortés y que después reaparecería en el siglo veinte, incluso de forma más sistemática: los ataques deliberados a los no combatientes para aterrorizar al enemigo”.

 
Otro autor indispensable para darle contexto al Thanksgiving es sin duda James W. Loewen, autor del libro “Lies My Teacher Told Me: : Everything Your American History Textbook Got Wrong”

The Truth about The First Thanksgiving

Should we teach these truths about Thanksgiving? Or, like our textbooks, should we look the other way? Again quoting LAND OF PROMISE. “By the fall of 1621, colonists and Indians could sit down to several days of feast and thanksgiving to God (later celebrated as the first Thanksgiving).” Throughout the nation, elementary school children still enact Thanksgiving every fall as our national origin myth, complete with Pilgrim hats made of construction paper and Indian braves with feathers in their hair. An early Massachusetts colonist, Colonel Thomas Aspinwall, advises us not to settle for this whitewash of feel – good – history.

“It is painful to advert to these things. But our forefathers, though wise, pious, and sincere, were nevertheless, in respect to Christian charity, under a cloud; and, in history, truth should be held sacred, at whatever cost.”

 

Entre Noticias

0

Al final de dicha parodia, se ven pequeños avances de la nueva película de Deadpool, próxima a estrenarse en junio de 2018.

Deadpool (Ryan Reynolds) parodiando al artista pictográfico Bob Ross.

Ryan Reynolds compartió en su cuenta de Twitter un teaser de la secuela de Deadpool, en el video se puede ver al antihéroe de Marvel parodiando al famoso pintor, Bob Ross.

Al final de dicha parodia, se ven pequeños avances de la nueva película de Deadpool, próxima a estrenarse en junio de 2018.

En el audiovisual, Deadpool parodia un programa televisivo de los años 80 en el que enseña a los televidentes a pintar un lienzo. Con su característico humor negro, Deadpool utilizó sugestivos nombres en las pinturas.

Después de un imperfecto técnico durante la emisión de este falso programa, se soltaron segundos de toda la acción que veremos en la próxima película de Marvel.

Al finalizar, el superhéroe interpretado por Ryan Reynolds presenta una pintura de los personajes de esta próxima cinta teniendo una cena de Acción de Gracias, lo cual nos da indicios de que en ese día se lanzará el tráiler completo.

“Deadpool de mojado sobre mojado. Final de la serie”, escribió.

​No sería la primera vez que Reynolds muestra avances cómicos. Para mostrar quién será la nueva heroína de Deadpool 2, el actor publicó el 31 de julio de este año una foto donde él es la alfombra y Domino está recostada sobre el traje.

Deadpool 2 se estrena en cines el 1 de junio de 2018.

 

Entre Noticias/Agencias

 

0

Por último, Coldplay estrenó la canción "Amor Argentina", compuesta en ritmo de tango y que refiere el recorrido de su gira mundial, que finalizará este miércoles en La Plata, citó el diario "La Nación".

Algunos rumores pudieron dar pistas de lo que iba a pasar esta noche, la gente no pudo evitar emocionarse cuando escuchó los primeros acordes de “De música ligera”.

Coldplay brindó la noche de este martes el primero de los dos shows en La Plata, Argentina, donde realizó un homenaje a Soda Stereo, el grupo más influyente de la música latinoamericana en los años ’80 y ’90, dentro de rock en español.

“De música ligera” fue la canción elegida por la banda que lidera Chris Martin y que había ensayado días atrás con motivo del recital que brindó en la ciudad brasileña de Porto Alegre, escala previa de la doble presentación en Argentina.

“Gracias, amigos, por estar cantando y bailando. Para nosotros es muy especial estar en Argentina para terminar nuestra gira mundial con nuestra familia”, dijo Martin en español.

Por último, Coldplay estrenó la canción “Amor Argentina”, compuesta en ritmo de tango y que refiere el recorrido de su gira mundial, que finalizará este miércoles en La Plata, citó el diario “La Nación”.

Soda Stereo comenzó su carrera en 1982, se disolvió en 1997 y volvió a reunirse por última vez en 2007 para realizar la gira internacional “Me verás volver”.

Casi siete años después de aquellos conciertos, en septiembre de 2014, murió Gustavo Cerati, cantante y guitarrista del grupo. El músico había permanecido en coma cuatro años luego de sufrir un accidente cerebrovascular en Venezuela.

Si bien algunos rumores pudieron dar pistas de lo que iba a pasar esta noche, la gente no pudo evitar emocionarse cuando escuchó los primeros acordes de “De música ligera”. El tema de Soda Stereo, que Chris Martín había ensayado días atrás en Porto Alegre, llegó después de una seguidilla de hits: “Hymn for The Weekend”, “Fix You”, “Viva la vida” y “AOAL”.

Así se vivió el momento de la interpretación de “Música ligera” en la voz de Coldplay:

 

Entre Noticias/Agencias

 

0

Disney habría expresado interés en comprar partes de Fox, incluyendo sus estudios de cine y los canales National Geographic y FX Networks. El monto total de la transacción no fue revelado.

La transacción dejaría fuera a Fox Broadcast Network y a los canales de deportes de Fox de manera que sea más fácil pasar el examen de las entidades regulatorias antimonopolio.

La gigante mediática 21st Century Fox, fundada por Rupert Murdoch, se encuentra negociando la venta de la mayor parte de su negocio a Disney.

Según reportó la estadounidense CNBC, la operación dejaría una 21st Century Fox más pequeña, enfocada a las noticias y canales de deportes para competir mejor en un ambiente mediático cada vez más cambiante. Actualmente 21st Century Fox es el cuarto conglomerado de medios de comunicación más grande del mundo, después de Comscast, The Walt Disney Company y Time Warner.

La transacción dejaría fuera a Fox Broadcast Network y a los canales de deportes de Fox de manera que sea más fácil pasar el examen de las entidades regulatorias antimonopolio.

Disney habría expresado interés en comprar partes de Fox, incluyendo sus estudios de cine y los canales National Geographic y FX Networks. El monto total de la transacción no fue revelado.

Las acciones de 21st Century Fox subieron un 6% y las de Disney un 1% tras darse a conocer la noticia.

 

Entre Noticias/Agencias

 

0

Se cumplen 60 años del lanzamiento al espacio del primer ser vivo. Laika dio cuatro vueltas alrededor de la Tierra antes de morir debido a alta temperatura en el interior de la cápsula.

“Había que ensayar, hacer sacrificios. Todos sabíamos que moriría y le pedimos perdón”.

Laika, una perrita recogida en las calles de Moscú, se convirtió hoy hace 60 años en el primer ser vivo en orbitar la Tierra en un histórico vuelo sin retorno que abrió las puertas del espacio a la humanidad. Había transcurrido apenas un mes desde el lanzamiento del Sputnik, el primer satélite artificial de la Tierra, y los científicos soviéticos ansiaban conocer cómo se comportaría un ser vivo en condiciones de ingravidez, con vistas a enviar a un hombre al espacio.

Con anterioridad se habían realizado experimentos con animales, con monos en Estados Unidos y perros en la Unión Soviética, pero solo en vuelos suborbitales. Debido al diseño del Sputnik 2, el perro debía pesar entre 6 y 7 kilos, tener no más de 35 centímetros de alzada a la cruz, ser callejero -los de raza no son tan resistentes-, y de piel clara, ya que los expertos consideraban que se le vería mejor en las imágenes de los monitores. Por razones de espacio e higiene se daba preferencia a las hembras: a diferencia de los machos no levantan la pata para orinar, lo que facilitaba la colocación de un sistema sanitario.

Era un vuelo sin retorno: el diseño del aparato, que contaba con un dispensador de comida y un sistema de regeneración de aire calculado para siete días, no permitía su regreso a la Tierra. Tres perritas eran las candidatas principales para ocupar el habitáculo del Sputnik 2: Albina, con dos vuelos suborbitales ya en el lomo, y Muja (Mosca), una novata al igual que Laika. Albina fue indultada en virtud de los servicios prestados a la ciencia, y Muja, que tenía las patas delanteras ligeramente arqueadas, por lo que no salía favorecía en las fotografías, fue empleada para probar los equipos. Laika fue la elegida.

Lo importante era hacer todo para el futuro vuelo del hombre al espacio, Había que ensayar, hacer sacrificios. Pero antes del vuelo de Laika incluso yo lloré. Todos sabíamos que moriría y le pedimos perdón“, recordó la doctora Adilia Kotovskaya, en una entrevista con el periódico Rossiskaya Gazeta. A Laika la operaron para colocarle dos sensores: uno en las costillas, para controlar la respiración; y el otro, en una del arterias carótidas, para seguir el pulso. Durante los primero minutos de vuelo los científicos detectaron una brusca aceleración del pulso y de los movimientos respiratorios de Laika, pero poco a poco sus parámetros fisiológicos se normalizaron.

Sin embargo, pocas horas después, debido a errores de cálculo, la temperatura en el interior de la cápsula subió hasta más de 40 grados centígrados, lo que le produjo la muerte a Laika, después de dar cuatro vueltas a la Tierra. Las autoridades soviéticas decidieron ocultar este hecho y durante una semana informaron del estado de salud de Laika, como si su vuelo transcurriera sin contratiempos, hasta que comunicaron que la perra, ya una celebridad, tuvo que ser sacrificada.

El Sputnik 2 continuó orbitando la Tierra durante seis meses hasta que perdió altura y se desintegró en las capas altas de la atmósfera. Laika sería el último perro soviético en ser enviado al espacio en una nave sin sistema de retorno, pero no el último en morir en la carrera por la conquista del espacio.

El 28 de julio de 1960, las perras Chaika y Lisichka murieron al estallar segundos después del lanzamiento el cohete portador del Sputnik 5-1, ya dotado de sistema de retorno. Pese al fracaso que supuso, el accidente impulsó a los científicos e ingenieros soviéticos a diseñar un sistema de eyección de emergencia durante la fase inicial del vuelo, que más tarde le salvó la vida a vida a cuatro cosmonautas.

Agencia EFE

0

Para celebrar el Centenario del Natalicio de Amalia Hernández, nacida el 19 de septiembre de 1917, añadió en un comunicado la Secretaría de Cultura, el Ballet Folklórico de México, la Compañía Nacional de Danza y la Orquesta Sinfónica Nacional por primera vez unieron esfuerzos.

Bajo la dirección de Eduardo García Barrios, la Orquesta Sinfónica Nacional acompañó al ballet en los cuadros Los Mayas, Huapango, La vida es un juego, Danzón Nereidas y Sones Antiguos de Michoacán.

Cautivada por la música y la danza tradicional que conoció en diversos lugares del país, Amalia Hernández es uno de los personajes más importantes en el ámbito cultural, al marcar tendencia en la danza folclórica mexicana.

“Logró marcar una de las tendencias más representativas de la danza mexicana en la segunda mitad del siglo 20 y ser punto de partida de muchos artistas, incluso para negarla.

“Llegó a convertirse en un símbolo de mexicanidad a través de su obra más importante: el Ballet Folklórico de México, conocido mundialmente y utilizado como imagen del país, dentro y fuera de éste”, asegura la investigadora del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de la Danza (Cenidi Danza) del INBA, Margarita Tortajada Quiroz, en su texto Amalia Hernández: audacia y fuerza creativa.

Para celebrar el Centenario del Natalicio de Amalia Hernández, nacida el 19 de septiembre de 1917, añadió en un comunicado la Secretaría de Cultura, el Ballet Folklórico de México, la Compañía Nacional de Danza y la Orquesta Sinfónica Nacional por primera vez unieron esfuerzos en una gala que se llevó a cabo este domingo 17 de septiembre a las 12:15 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

La primera bailarina de la Ópera de Berlín, la mexicana Elisa Carrillo participará en la coreografía Sones antiguos de Michoacán. El resto del programa estará conformado por La Revolución, Los Matachines, Fiesta de Tlacotalpan y La danza del venado, entre otras, y sobresale el remontaje de la pieza Los mayas.

Bajo la dirección de Eduardo García Barrios, la Orquesta Sinfónica Nacional acompañó al ballet en los cuadros Los Mayas, Huapango, La vida es un juego, Danzón Nereidas y Sones Antiguos de Michoacán. En estas últimas dos obras es en las que la Compañía Nacional de Danza (CND) se integrará con los bailarines del Ballet Folklórico de México.

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) también ha programado diversas presentaciones, la entrega de la Presea Cervantina al Ballet, un documental realizado por el Canal 22 y la publicación de dos libros.

Se trata de la tercera edición de El Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández, editado por Fomento Cultural Banamex, que incluye un nuevo apartado resultado de la investigación realizada por Margarita Tortajada.

El otro volumen, editado por el Cenidi Danza, recoge datos biográficos poco conocidos y la vida personal de la bailarina y coreógrafa, el cual se presentará a finales del año en la Gala Homenaje Una Vida en la Danza, en el recinto de mármol.

Amalia

Amalia Hernández mostró su gusto por la danza desde muy pequeña, incluso, su padre, Lamberto Hernández, hombre de negocios, militar y político, hizo construir un estudio en donde recibió clases privadas de danza mexicana con Luis Felipe Obregón y Amado López; danza española con Encarnación López La Argentinita, y de ballet con la maestra francesa Nelsy Dambre y el ruso Hipólito Zybin.

En 1934 ingresó a la Escuela Nacional de Danza, dirigida por Nellie Campobello y fue alumna de ésta y de su hermana Gloria, además de tomar clases con Ernesto Agüero, Dora Duby, Tessy Marcué y Xenia Zarina.

Al crearse la Academia de la Danza Mexicana (ADM) dependiente del Instituto Nacional de Bellas Artes en 1947, Amalia Hernández se incorporó como maestra y coreógrafa en donde creó la pieza Sonatas que recreaba el cuadro La primavera, del pintor Botticelli.

Más tarde, participó en la fundación del Ballet Nacional de México, dirigido por Guillermina Bravo (1948); luego se integró al Ballet Waldeen, y en diciembre de 1949 regresó a la Academia de la Danza Mexicana con el estreno de la obra Sinfonía india en el Palacio de Bellas Artes.

Promovió la creación del Ballet Moderno de México (BMM) con el que en 1952 tuvo la oportunidad de estrenar Sones michoacanos, una de las piezas que más ha permanecido en el repertorio dancístico.

Aunque el Ballet Moderno de México desapareció en 1954, Amalia Hernández siguió trabajando con el Ballet de México, agrupación conformada por ocho bailarinas fundada en 1952 y que para 1959 cambió su nombre para convertirse en el Ballet Folklórico de México (BFM).

Con nuevos bríos y un fortalecimiento técnico, ese mismo año, la compañía tuvo la oportunidad de participar en el Festival de las Américas en la ciudad de Chicago en donde recibió una gran ovación y un reconocimiento público que provocó que la revista Life, le dedicara su portada.

El éxito continuó y para 1961, el Ballet Folklórico de México obtuvo el primer lugar en el Festival del Teatro de las Naciones de París, en el que compitió con 36 espectáculos de todo el mundo, lo que provocó el lanzamiento internacional de Amalia Hernández y su compañía.

Desde entonces, el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández se ha convertido en todo un referente para las agrupaciones de este género dancístico, ya que desde los años sesenta ha realizado la coreografía para 40 ballets formados por 76 bailes regionales en los que destaca la música, el rigor técnico, los elaborados y vistosos trajes típicos y las coreografías originales.

Con más de 100 giras internacionales por 60 países y más de 300 ciudades, es la única compañía mexicana que ha logrado obtener reconocimiento a nivel mundial y viajar a casi todas las naciones como embajadora oficial de la danza mexicana, además de recibir más de 400 preseas a lo largo de sus más de sesenta años de historia.

Fallecida en noviembre del año 2000, la bailarina y coreógrafa Amalia Hernández fue distinguida con el Premio Nacional de Ciencias y Artes Artes 1992 en el área de las Bellas Artes, y su herencia continúa para proyectar a nivel nacional e internacional la belleza de México a través de sus bailes desde las culturas precolombinas, los movimientos resultado de la influencia española y la fuerza popular de los tiempos revolucionarios, así como las expresiones contemporáneas nacidas de la tradición.

Homenaje

La gala de homenaje por el centenario de Amalia Hernández, estuvo a cargo del Ballet Folklórico de México, este 17 de septiembre en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, y fue transmitida en vivo por la señal abierta de Canal 22.

Así lo informó el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), al recordar que la presentación, la cual ha despertado gran interés entre el público, también pudo ser vista en la pantalla gigante instalada en el corredor Ángela Peralta, ubicado a un costado del recinto, y vía streaming por livestream.com/inba.

En este espectáculo se contó con la participación de la Compañía Nacional de Danza, la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), el Coro y Mariachi del Ballet Folklórico de México y de la primera bailarina Elisa Carrillo, como solista.

Aunque el Palacio de Bellas Artes es escenario de ambas compañías dancísticas y de la OSN, esta fue la primera ocasión en la que se presentarán juntos para celebrar a quien es considerada la máxima embajadora de la danza folklórica mexicana ante el mundo, destacó el INBA en un comunicado.

El primer movimiento de “La noche de los mayas” de Silvestre Revueltas, interpretado por la OSN bajo la conducción huésped de Eduardo García Barrios, marcó el inicio de la gala y dio la pauta a la aparición del Ballet Folklórico de México.

La agrupación hizo un recorrido dancístico por el país con una serie de cuadros: “Los mayas”, “Guerrero”, “Obertura 1910”, “La Revolución”, “Fiesta de Tlacotalpan”, “Los matachines”, “La vida es juego”, “Danza del venado”, “Guadalajara”, “Las olas” y “Fiesta en Jalisco”.

Culminó con “Huapango”, “Danzón Nereidas” y “Sones antiguos de Michoacán”, el primer trabajo de investigación y recuperación coreográfica de Amalia Hernández, y el cual contó con la participación de la Compañía Nacional de Danza y de la primera bailarina del Ballet de la Ópera de Berlín, Elisa Carrillo.

De igual forma, el Ballet Folklórico de México llevará su propuesta a diferentes países de Centro y Sudamérica, así como a Inglaterra, con un total de 245 presentaciones programadas.

Además, recibirá la Presea Cervantina y se presentarán dos libros conmemorativos y un documental sobre la bailarina y coreógrafa Amalia Hernández (1917-2000).

Después de presentarse en Bellas Artes, el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández llevará dicho espectáculo a otros escenarios en el interior de la República.

Acompañado por la OSN, se presentará en el Castillo de Chapultepec el 17 de noviembre y para el otoño de 2018 visitará 50 ciudades de Estados Unidos, así como Argentina, Chile, Colombia, Perú y Ecuador.

Para saber más:

 

Entre Noticias/Agencias

 

0

La principal novedad con respecto a ediciones anteriores de las grabaciones de Maria Callas es que se trata de grabaciones realizadas en directo.

De las veinte óperas recogidas en el volumen, doce no fueron nunca grabadas en estudio por Maria Callas.

La mañana del 16 de septiembre de 1977, Bruna, como tantos días, le llevó el desayuno a la cama. Se levantó para ir al baño, pero un punzante dolor en el costado izquierdo le provocó un desmayo. Bruna llamó a Ferruccio, el mayordomo, y la llevaron de nuevo a la cama. Tomó un café cargado mientras Ferruccio llamaba al médico. Cerró los ojos. Y ya no volvió a abrirlos. El médico solo pudo certificar su muerte por una «crisis cardíaca». Aquella mañana del 16 de septiembre de 1977 –hoy hace cuarenta años–, moría en su apartamento del número 36 de la Avenida Georges Mandel, en París, Maria Callas, la mayor leyenda de la historia de la ópera, y una de sus grandes voces. Tenía 59 años.

Cuatro décadas después, Maria Callas sigue seduciendo dentro y fuera del mundo de la ópera. Sus desventuras fuera de los escenarios, especialmente a raíz de su amor traicionado por el armador griego Aristoteles Onassis, y su novelesca vida, la convierten en un personaje absolutamente fascinante.

Pero Maria Callas es, sobre todo, una de las grandes cantantes de la historia. Y a la soprano rinde homenaje el sello Warner con la edición de una colección titulada «Maria Callas Live», que recoge veinte óperas completas y cinco recitales en cuarenta y dos cedés y tres blu-ray. La principal novedad con respecto a ediciones anteriores de las grabaciones de Maria Callas (exprimidas hasta la saciedad por EMI, su propietaria hasta que hace cuatro años el sello fue adquirido por Warner) es que se trata de grabaciones realizadas en directo. La casa discográfica ha remasterizado las grabaciones «utilizando las últimas tecnologías de audio», según informa en un comunicado. «En particular –se añade–, se ha tenido especial cuidado con asegurar la máxima precisión en la reproducción de los tonos, que habían sido corregidos en diversas ocasiones».

Veinte óperas

De las veinte óperas recogidas en el volumen, doce no fueron nunca grabadas en estudio por Maria Callas: «Nabucco», «I vespri siciliani» y «Macbeth», de Verdi; «Parsifal», de Wagner; «Anna Bolena» y «Poliuto», de Donizetti; «Armida» e «Il Pirata», de Rossini;«Alceste» e «Ifigenia in Tauride», de Gluck;«La vestale», de Spontini;y «Andrea Chénier», de Giordano. Las grabaciones corresponden a representaciones llevadas a cabo entre los años 1949 («Nabucco») y 1969 («Poliuto») en teatros como el San Carlo de Nápoles, el Comunale de Florencia, la Scala de Milán o el Carnegie Hall de Nueva York.

Las ocho restantes grabaciones incluidas en la colección son historia de la ópera: la «Aida», que cantó en 1951 en el Palacio de Bellas Artes de México junto con Mario del Mónaco; «Rigoletto», interpretado un año después en el mismo escenario, esta vez con Giuseppe di Stefano, un cantante –y un amigo– con el que estaría vinculado hasta sus últimos días; «Norma», interpretada en la Royal Opera House de Londres en noviembre de 1952; la «Medea» que cantó en la Scala en diciembre de 1953, bajo la dirección de Leonard Bernstein; la mítica «La sonnambula» que, con la misma batuta del director estadounidense, interpretó en 1955 también en la Scala; la «Lucia di Lammermoor», que le dirigió Herber von Karajan en 1955 en la Stadtische Oper de Berlín; la legendaria «La traviata», que cantó en 1958 en Lisboa junto con el entonces desconocido Alfredo Kraus; y otra histórica representación: la «Tosca», que interpretó en la Royal Opera House de Londres en enero de 1964, con dirección de Carlo Felice Cillario.

Precisamente, el teatro londinense es el escenario del primero de los blu-ray: «Callas en el Covent Garden» recoge sus actuaciones en 1962 y 1964 en la capital británica. Los otros dos son conciertos grabados en Hamburgo (en 1959 y 1962) y en París (1958).

Grabaciones

Las grabaciones –alguna de ellas con un sonido deficiente, pero con un gran valor documental– muestran la grandeza de una cantante que revolucionó con su arte la interpretación lírica. Su voz no era tan limpia ni homogénea como la de otras cantantes de la época (por ejemplo, su gran rival en la Scala, Renata Tebaldi); sus agudos en ocasiones sonaban estridentes… Pero tenía una capacidad dramática y comunicativa excepcionales. Tenía una infinita paleta de colores en la garganta, y era, al decir de los que la vieron, una maravillosa actriz. La manera de cantar nunca fue la misma después de Maria Callas, Sus aptitudes permitieron la recuperación de títulos olvidados o semienterrados como «Anna Bolena» o «Medea».

Al mismo tiempo, les otorgó una nueva dimensión a las protagonistas de óperas de repertorio como «La traviata», «Tosca» o «Norma», quizás los tres títulos en los que más destacó. Esta última fue precisamente la ópera que cantó en más ocasiones: ochenta y nueve veces entre 1948 y 1965. «Yo tengo –dijo en una ocasión– cierta semejanza con Norma. Parece muy fuerte y muy feroz, pero en realidad no lo es, aunque ruja como un león».

Y es que Maria Callas mostraba sobre el escenario una cara muy distinta de la que presentaba al bajarse de él. En escena era una fiera capaz de encararse con el público de la Scala y cantarles, con el puño encrespado y la mirada encendida, «Ho dato tutto a te», una frase de «Medea», para reprocharles su frialdad. Pero fuera de escena era básicamente una mujer vulnerable que buscó toda su vida que alguien la quisiera. «No debo hacerme ilusiones –dijo poco después de que Onassis la abandonara–, la felicidad no es para mí. ¿Es demasiado pedir que me quieran las personas que están a mi lado?».

Entre Noticias/Agencias

 

0

"Como grupo estamos muy orgullosos. Es por la alegría que nos da hacer esto y que haya tanta gente que nos ha seguido durante tantos años"

“El que es capaz de sonreír cuando todo le está saliendo mal es porque ya tiene pensado a quién echarle la culpa”.

Jorge Maronna, integrante del grupo Les Luthiers, declaró hoy en España: “nunca fuimos ambiciosos y hemos visto con asombro que nuestra historia haya durado hasta ahora”.

Los míticos artistas, celebran su 50 aniversario con la gira de ‘­Chist!’, que llega a España.

“Era imposible imaginar esta perspectiva tan hermosa cuando empezamos y ganábamos unos pesitos, suficientes para gastos menores”, añadió Maronna de aquellos años en los que él, Marcos Mundstock y Daniel Rabinovich siguieron a Gerardo Masana, fundador del grupo.

Carlos Núñez ha explicado que Masana tuvo entonces ‘un chispazo genial’, el de ejecutar piezas del repertorio clásico con ‘instrumentos informales’, fórmula que, por primera vez, se la aplicaron a ‘La pasión según san Mateo’, de Bach, pero con la letra de un prospecto de laxante y conformando una orquesta de serrucho, guitarra que se tocaba al revés y tubos de ensayo que se soplaban.

A esos se han ido sumando otros instrumentos, concebidos y fabricados por ellos, hasta llegar a 40 en este medio siglo, alguno de los cuales han sufrido modificaciones, como el campanófono flagelante -‘la diferencia es que ahora el flagelado es el público’, han matizado-, del que sacarán acordes en esta gira, que terminará en la ciudad de Mérida (oeste) el 29 de este mes.

– Es maravilloso terminar en un teatro romano, podríamos hacerlo con ‘El teorema de Tales’.

– ­Que era griego!

– Bueno, Tales era una polis griega pero estaba en la costa de Turquía…

– Pues entonces lo haremos en un teatro turco.

– ¿Alguien habla griego aquí…?

Así ha transcurrido la conferencia de prensa de Les Luthiers en el Teatro de la Maestranza, con sus miembros haciendo gala de humor e inteligencia, incluso al responder preguntas que no eludían el lugar común, como la que se interesa por la lozanía del grupo tras cincuenta años de actividad:

– Nadie se ha dado por aludido. ¿De qué lozanía hablamos? No hemos entendido… -ha contestado Mundstock, quien, cuando han cesado las carcajadas, ha seguido casi en serio:

– Como grupo estamos muy orgullosos. Es por la alegría que nos da hacer esto y que haya tanta gente que nos ha seguido durante tantos años. Eso, aparte de tres horas de gimnasia cada mañana.

Unas palabras a las que Maronna ha añadido una cita de Fellini: ‘Los payasos envejecen bien’.

Sobre cómo resulta la relación entre los miembros de Les Luthiers, después de tantos años, han respondido: ‘No nos hablamos, salvo en las ruedas de prensa’.

Una respuesta matizada por Carlos López: ‘Disfrutamos del aplauso y de la risa; y valoramos las aportaciones del otro, como si fuese un círculo virtuoso’.

Mundstock explicó la virtud del humor de ‘Les Luthiers’: ‘La risa no depende de los tiempos; desde un principio nos gustó hacer un humor intemporal y lo contrario de local -decir universal es demasiado pretencioso-. Hacer un chiste con el político que está en la portada del periódico es fácil’.

Y ha puesto como ejemplo la pieza sobre el himno nacional, que ya cuenta con más de veinte años y, sin cambiarle una coma, sigue haciendo reír al público.

‘Hemos aprendido el oficio, y ampliado un poco nuestros temas; empezamos con la parodia de la música clásica, luego incorporamos tango y bolero, y después introducimos el componente teatral, y ese ha sido nuestro crecimiento; pero ese componente teatral siempre en relación con la música’, explicado Mundstock.

Ver también: “Les Luthiers”: 25 frases llenas de humor y sarcasmo en sus 50 años

0

"El trabajo de periodista de Nueva York consiste en destruir la verdad, mentir claramente, pervertir, envilecer, arrojarse a los pies de Mammón, y venderse para obtener el pan de cada día"

“Ustedes lo saben, y yo lo sé; así pues ¿a qué viene esa locura de brindar a la salud de una prensa independiente?

John Swinton fue un periodista estadounidense que ejerció como Redactor en Jefe del New York Times desde 1860 hasta 1870. Después de unos años, en una noche de 1880, Swinton fue invitado a una cena de gala sobre la libertad de prensa del gremio periodístico, en donde él era uno de los homenajeados. En su discurso dijo:

“No existe lo que se llama prensa independiente, a menos que se trate de un periódico de una pequeña villa rural. Ustedes lo saben y yo lo sé. No hay ni uno solo entre ustedes que se atreva a expresar por escrito su honrada opinión, pero, si lo hiciera, saben perfectamente que su escrito no sería nunca publicado.

Me pagan 150 dólares semanales para que no publique mi honrada opinión en el periódico en el cual he trabajado tantos años. Muchos, entre ustedes, reciben salarios parecidos por un trabajo similar (…) y si alguno entre ustedes estuviera lo suficientemente chiflado como para escribir su honrada opinión, se encontraría en medio de la calle buscando un empleo cualquiera, exceptuando el de periodista.

El trabajo de periodista de Nueva York consiste en destruir la verdad, mentir claramente, pervertir, envilecer, arrojarse a los pies de Mammón, y venderse para obtener el pan de cada día.

Ustedes lo saben, y yo lo sé; así pues ¿a qué viene esa locura de brindar a la salud de una prensa independiente?.

Somos las herramientas y los lacayos de unos hombres extraordinariamente ricos que permanecen entre bastidores. Somos sus marionetas; ellos tiran de los hilos y nosotros bailamos al son que ellos quieren.

Nuestros talentos, nuestras posibilidades y nuestras vidas, son propiedad de otros hombres. Nosotros somos unos prostitutas (prostitutos) intelectuales”.

 

Entre Noticias

0

En febrero de 2016 diferentes publicaciones reportaron que Eliyahu habría pedido a los colonos israelíes, a través de su cuenta de Facebook, que no permitan ser atendidos por médicos ni enfermeros árabes y todavía peor. Habría dicho que “el asesinato de palestinos era una obligación”

“El etnocentrismo religioso y el fundamentalismo propician actitudes racistas, según estudios científicos”.

Rabí Shmuel Eliyahu es rabino de la ciudad de Safed, y es uno de los rabinos más notoriamente racistas en Israel. Los fiscales consideraron acusarlo en dos ocasiones de incumplir la ley contra la incitación, pero las dos veces retrocedieron, según publica el portal Mondoweiss.

Entre otros asuntos muy polémicos, Eliyahu ha dicho públicamente que no condena los ataques conocidos como “price tag” (realizados por colonos israelís contra los palestinos), argumentando que “si el gobierno no actúa, entonces el público debe hacerlo”.

Una de sus acciones más conocidas es haber firmado una petición demandando que ningún judío pueda alquilar o vender apartamentos a quien no sea judío en su ciudad de Safed, petición a la que se unieron 300 rabinos más. Si bien el acto era abiertamente racista e ilegal, el marco jurídico en Israel contra la incitación al racismo excluye de manera específica el “debate religioso” de la ley, de tal suerte que el caso contra Eliyahu fue cerrado.

“En octubre de 2010, Eliyahu provocó una gran polémica y críticas al firmar con otros 17 rabinos una iniciativa (una especie de edicto religioso) exigiendo no vender o alquilar casas a árabes. En 2006, Eliyahu fue llevado a los tribunales por unas afirmaciones contra la población árabe. El juicio fue frenado tras llegarse a un acuerdo en el que el acusado se comprometió a retractarse de forma clara de sus declaraciones”. Eliyahu se opone a la presencia de árabes en la vieja y bíblica ciudad de Safed. “Hay que evitar que los árabes dominen nuestras calles e impongan sus costumbres”, dijo en una ocasión: (El Mundo)

 
Mondoweiss publica esta vez que Eliyahu habría dicho algo realmente perverso, validando la “violación en tiempos de guerra”, remitiendo a la publicación original para quienes lean en hebreo.

Quienes quieran revisar la publicación en inglés

1. The Comely Woman issue appears in the Bible in Deuteronomy 21. (“If you notice among the captives a comely woman and desire her, you may take her as your wife.”) However, the Talmudic sages changed the law somewhat; as can be seen in Maimonides (Hebrew) the woman is first raped in the field, and the issue of the ritualistic humiliation takes place after the war.

2. Eliyahu is lying when he says that a Comely Woman is to be released if her kidnapper dislikes her. Perusing the same Maimonides chapter, you find that she is only released if she has converted to Judaism: otherwise, “A Comely Woman who refuses to refrain from idolatry after twelve months is killed.”

 
En febrero de 2016 diferentes publicaciones reportaron que Eliyahu habría pedido a los colonos israelíes, a través de su cuenta de Facebook, que no permitan ser atendidos por médicos ni enfermeros árabes y todavía peor. Habría dicho que “el asesinato de palestinos era una obligación


Coach Sneakers Louis Vuitton Sac Occasion France Outlet Peuterey Puglia Piumino Woolrich Air Jordan Junior Pas Cher Stivali UGG Rossi Air Max Tn Shox Pas Cher Doudoune Moncler Nantes Femme Capuche Lavaggio Piumini Moncler Outlet Gucci Incisa Borsa Gucci Nuova Coach Outlet Jackson Nj Chaussures Christian Louboutin Prix Kit Entretien Bottes Ugg