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Para celebrar el Centenario del Natalicio de Amalia Hernández, nacida el 19 de septiembre de 1917, añadió en un comunicado la Secretaría de Cultura, el Ballet Folklórico de México, la Compañía Nacional de Danza y la Orquesta Sinfónica Nacional por primera vez unieron esfuerzos.

Bajo la dirección de Eduardo García Barrios, la Orquesta Sinfónica Nacional acompañó al ballet en los cuadros Los Mayas, Huapango, La vida es un juego, Danzón Nereidas y Sones Antiguos de Michoacán.

Cautivada por la música y la danza tradicional que conoció en diversos lugares del país, Amalia Hernández es uno de los personajes más importantes en el ámbito cultural, al marcar tendencia en la danza folclórica mexicana.

“Logró marcar una de las tendencias más representativas de la danza mexicana en la segunda mitad del siglo 20 y ser punto de partida de muchos artistas, incluso para negarla.

“Llegó a convertirse en un símbolo de mexicanidad a través de su obra más importante: el Ballet Folklórico de México, conocido mundialmente y utilizado como imagen del país, dentro y fuera de éste”, asegura la investigadora del Centro Nacional de Investigación, Documentación e Información de la Danza (Cenidi Danza) del INBA, Margarita Tortajada Quiroz, en su texto Amalia Hernández: audacia y fuerza creativa.

Para celebrar el Centenario del Natalicio de Amalia Hernández, nacida el 19 de septiembre de 1917, añadió en un comunicado la Secretaría de Cultura, el Ballet Folklórico de México, la Compañía Nacional de Danza y la Orquesta Sinfónica Nacional por primera vez unieron esfuerzos en una gala que se llevó a cabo este domingo 17 de septiembre a las 12:15 horas, en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes.

La primera bailarina de la Ópera de Berlín, la mexicana Elisa Carrillo participará en la coreografía Sones antiguos de Michoacán. El resto del programa estará conformado por La Revolución, Los Matachines, Fiesta de Tlacotalpan y La danza del venado, entre otras, y sobresale el remontaje de la pieza Los mayas.

Bajo la dirección de Eduardo García Barrios, la Orquesta Sinfónica Nacional acompañó al ballet en los cuadros Los Mayas, Huapango, La vida es un juego, Danzón Nereidas y Sones Antiguos de Michoacán. En estas últimas dos obras es en las que la Compañía Nacional de Danza (CND) se integrará con los bailarines del Ballet Folklórico de México.

La Secretaría de Cultura y el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA) también ha programado diversas presentaciones, la entrega de la Presea Cervantina al Ballet, un documental realizado por el Canal 22 y la publicación de dos libros.

Se trata de la tercera edición de El Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández, editado por Fomento Cultural Banamex, que incluye un nuevo apartado resultado de la investigación realizada por Margarita Tortajada.

El otro volumen, editado por el Cenidi Danza, recoge datos biográficos poco conocidos y la vida personal de la bailarina y coreógrafa, el cual se presentará a finales del año en la Gala Homenaje Una Vida en la Danza, en el recinto de mármol.

Amalia

Amalia Hernández mostró su gusto por la danza desde muy pequeña, incluso, su padre, Lamberto Hernández, hombre de negocios, militar y político, hizo construir un estudio en donde recibió clases privadas de danza mexicana con Luis Felipe Obregón y Amado López; danza española con Encarnación López La Argentinita, y de ballet con la maestra francesa Nelsy Dambre y el ruso Hipólito Zybin.

En 1934 ingresó a la Escuela Nacional de Danza, dirigida por Nellie Campobello y fue alumna de ésta y de su hermana Gloria, además de tomar clases con Ernesto Agüero, Dora Duby, Tessy Marcué y Xenia Zarina.

Al crearse la Academia de la Danza Mexicana (ADM) dependiente del Instituto Nacional de Bellas Artes en 1947, Amalia Hernández se incorporó como maestra y coreógrafa en donde creó la pieza Sonatas que recreaba el cuadro La primavera, del pintor Botticelli.

Más tarde, participó en la fundación del Ballet Nacional de México, dirigido por Guillermina Bravo (1948); luego se integró al Ballet Waldeen, y en diciembre de 1949 regresó a la Academia de la Danza Mexicana con el estreno de la obra Sinfonía india en el Palacio de Bellas Artes.

Promovió la creación del Ballet Moderno de México (BMM) con el que en 1952 tuvo la oportunidad de estrenar Sones michoacanos, una de las piezas que más ha permanecido en el repertorio dancístico.

Aunque el Ballet Moderno de México desapareció en 1954, Amalia Hernández siguió trabajando con el Ballet de México, agrupación conformada por ocho bailarinas fundada en 1952 y que para 1959 cambió su nombre para convertirse en el Ballet Folklórico de México (BFM).

Con nuevos bríos y un fortalecimiento técnico, ese mismo año, la compañía tuvo la oportunidad de participar en el Festival de las Américas en la ciudad de Chicago en donde recibió una gran ovación y un reconocimiento público que provocó que la revista Life, le dedicara su portada.

El éxito continuó y para 1961, el Ballet Folklórico de México obtuvo el primer lugar en el Festival del Teatro de las Naciones de París, en el que compitió con 36 espectáculos de todo el mundo, lo que provocó el lanzamiento internacional de Amalia Hernández y su compañía.

Desde entonces, el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández se ha convertido en todo un referente para las agrupaciones de este género dancístico, ya que desde los años sesenta ha realizado la coreografía para 40 ballets formados por 76 bailes regionales en los que destaca la música, el rigor técnico, los elaborados y vistosos trajes típicos y las coreografías originales.

Con más de 100 giras internacionales por 60 países y más de 300 ciudades, es la única compañía mexicana que ha logrado obtener reconocimiento a nivel mundial y viajar a casi todas las naciones como embajadora oficial de la danza mexicana, además de recibir más de 400 preseas a lo largo de sus más de sesenta años de historia.

Fallecida en noviembre del año 2000, la bailarina y coreógrafa Amalia Hernández fue distinguida con el Premio Nacional de Ciencias y Artes Artes 1992 en el área de las Bellas Artes, y su herencia continúa para proyectar a nivel nacional e internacional la belleza de México a través de sus bailes desde las culturas precolombinas, los movimientos resultado de la influencia española y la fuerza popular de los tiempos revolucionarios, así como las expresiones contemporáneas nacidas de la tradición.

Homenaje

La gala de homenaje por el centenario de Amalia Hernández, estuvo a cargo del Ballet Folklórico de México, este 17 de septiembre en la Sala Principal del Palacio de Bellas Artes, y fue transmitida en vivo por la señal abierta de Canal 22.

Así lo informó el Instituto Nacional de Bellas Artes (INBA), al recordar que la presentación, la cual ha despertado gran interés entre el público, también pudo ser vista en la pantalla gigante instalada en el corredor Ángela Peralta, ubicado a un costado del recinto, y vía streaming por livestream.com/inba.

En este espectáculo se contó con la participación de la Compañía Nacional de Danza, la Orquesta Sinfónica Nacional (OSN), el Coro y Mariachi del Ballet Folklórico de México y de la primera bailarina Elisa Carrillo, como solista.

Aunque el Palacio de Bellas Artes es escenario de ambas compañías dancísticas y de la OSN, esta fue la primera ocasión en la que se presentarán juntos para celebrar a quien es considerada la máxima embajadora de la danza folklórica mexicana ante el mundo, destacó el INBA en un comunicado.

El primer movimiento de “La noche de los mayas” de Silvestre Revueltas, interpretado por la OSN bajo la conducción huésped de Eduardo García Barrios, marcó el inicio de la gala y dio la pauta a la aparición del Ballet Folklórico de México.

La agrupación hizo un recorrido dancístico por el país con una serie de cuadros: “Los mayas”, “Guerrero”, “Obertura 1910”, “La Revolución”, “Fiesta de Tlacotalpan”, “Los matachines”, “La vida es juego”, “Danza del venado”, “Guadalajara”, “Las olas” y “Fiesta en Jalisco”.

Culminó con “Huapango”, “Danzón Nereidas” y “Sones antiguos de Michoacán”, el primer trabajo de investigación y recuperación coreográfica de Amalia Hernández, y el cual contó con la participación de la Compañía Nacional de Danza y de la primera bailarina del Ballet de la Ópera de Berlín, Elisa Carrillo.

De igual forma, el Ballet Folklórico de México llevará su propuesta a diferentes países de Centro y Sudamérica, así como a Inglaterra, con un total de 245 presentaciones programadas.

Además, recibirá la Presea Cervantina y se presentarán dos libros conmemorativos y un documental sobre la bailarina y coreógrafa Amalia Hernández (1917-2000).

Después de presentarse en Bellas Artes, el Ballet Folklórico de México de Amalia Hernández llevará dicho espectáculo a otros escenarios en el interior de la República.

Acompañado por la OSN, se presentará en el Castillo de Chapultepec el 17 de noviembre y para el otoño de 2018 visitará 50 ciudades de Estados Unidos, así como Argentina, Chile, Colombia, Perú y Ecuador.

Para saber más:

 

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La principal novedad con respecto a ediciones anteriores de las grabaciones de Maria Callas es que se trata de grabaciones realizadas en directo.

De las veinte óperas recogidas en el volumen, doce no fueron nunca grabadas en estudio por Maria Callas.

La mañana del 16 de septiembre de 1977, Bruna, como tantos días, le llevó el desayuno a la cama. Se levantó para ir al baño, pero un punzante dolor en el costado izquierdo le provocó un desmayo. Bruna llamó a Ferruccio, el mayordomo, y la llevaron de nuevo a la cama. Tomó un café cargado mientras Ferruccio llamaba al médico. Cerró los ojos. Y ya no volvió a abrirlos. El médico solo pudo certificar su muerte por una «crisis cardíaca». Aquella mañana del 16 de septiembre de 1977 –hoy hace cuarenta años–, moría en su apartamento del número 36 de la Avenida Georges Mandel, en París, Maria Callas, la mayor leyenda de la historia de la ópera, y una de sus grandes voces. Tenía 59 años.

Cuatro décadas después, Maria Callas sigue seduciendo dentro y fuera del mundo de la ópera. Sus desventuras fuera de los escenarios, especialmente a raíz de su amor traicionado por el armador griego Aristoteles Onassis, y su novelesca vida, la convierten en un personaje absolutamente fascinante.

Pero Maria Callas es, sobre todo, una de las grandes cantantes de la historia. Y a la soprano rinde homenaje el sello Warner con la edición de una colección titulada «Maria Callas Live», que recoge veinte óperas completas y cinco recitales en cuarenta y dos cedés y tres blu-ray. La principal novedad con respecto a ediciones anteriores de las grabaciones de Maria Callas (exprimidas hasta la saciedad por EMI, su propietaria hasta que hace cuatro años el sello fue adquirido por Warner) es que se trata de grabaciones realizadas en directo. La casa discográfica ha remasterizado las grabaciones «utilizando las últimas tecnologías de audio», según informa en un comunicado. «En particular –se añade–, se ha tenido especial cuidado con asegurar la máxima precisión en la reproducción de los tonos, que habían sido corregidos en diversas ocasiones».

Veinte óperas

De las veinte óperas recogidas en el volumen, doce no fueron nunca grabadas en estudio por Maria Callas: «Nabucco», «I vespri siciliani» y «Macbeth», de Verdi; «Parsifal», de Wagner; «Anna Bolena» y «Poliuto», de Donizetti; «Armida» e «Il Pirata», de Rossini;«Alceste» e «Ifigenia in Tauride», de Gluck;«La vestale», de Spontini;y «Andrea Chénier», de Giordano. Las grabaciones corresponden a representaciones llevadas a cabo entre los años 1949 («Nabucco») y 1969 («Poliuto») en teatros como el San Carlo de Nápoles, el Comunale de Florencia, la Scala de Milán o el Carnegie Hall de Nueva York.

Las ocho restantes grabaciones incluidas en la colección son historia de la ópera: la «Aida», que cantó en 1951 en el Palacio de Bellas Artes de México junto con Mario del Mónaco; «Rigoletto», interpretado un año después en el mismo escenario, esta vez con Giuseppe di Stefano, un cantante –y un amigo– con el que estaría vinculado hasta sus últimos días; «Norma», interpretada en la Royal Opera House de Londres en noviembre de 1952; la «Medea» que cantó en la Scala en diciembre de 1953, bajo la dirección de Leonard Bernstein; la mítica «La sonnambula» que, con la misma batuta del director estadounidense, interpretó en 1955 también en la Scala; la «Lucia di Lammermoor», que le dirigió Herber von Karajan en 1955 en la Stadtische Oper de Berlín; la legendaria «La traviata», que cantó en 1958 en Lisboa junto con el entonces desconocido Alfredo Kraus; y otra histórica representación: la «Tosca», que interpretó en la Royal Opera House de Londres en enero de 1964, con dirección de Carlo Felice Cillario.

Precisamente, el teatro londinense es el escenario del primero de los blu-ray: «Callas en el Covent Garden» recoge sus actuaciones en 1962 y 1964 en la capital británica. Los otros dos son conciertos grabados en Hamburgo (en 1959 y 1962) y en París (1958).

Grabaciones

Las grabaciones –alguna de ellas con un sonido deficiente, pero con un gran valor documental– muestran la grandeza de una cantante que revolucionó con su arte la interpretación lírica. Su voz no era tan limpia ni homogénea como la de otras cantantes de la época (por ejemplo, su gran rival en la Scala, Renata Tebaldi); sus agudos en ocasiones sonaban estridentes… Pero tenía una capacidad dramática y comunicativa excepcionales. Tenía una infinita paleta de colores en la garganta, y era, al decir de los que la vieron, una maravillosa actriz. La manera de cantar nunca fue la misma después de Maria Callas, Sus aptitudes permitieron la recuperación de títulos olvidados o semienterrados como «Anna Bolena» o «Medea».

Al mismo tiempo, les otorgó una nueva dimensión a las protagonistas de óperas de repertorio como «La traviata», «Tosca» o «Norma», quizás los tres títulos en los que más destacó. Esta última fue precisamente la ópera que cantó en más ocasiones: ochenta y nueve veces entre 1948 y 1965. «Yo tengo –dijo en una ocasión– cierta semejanza con Norma. Parece muy fuerte y muy feroz, pero en realidad no lo es, aunque ruja como un león».

Y es que Maria Callas mostraba sobre el escenario una cara muy distinta de la que presentaba al bajarse de él. En escena era una fiera capaz de encararse con el público de la Scala y cantarles, con el puño encrespado y la mirada encendida, «Ho dato tutto a te», una frase de «Medea», para reprocharles su frialdad. Pero fuera de escena era básicamente una mujer vulnerable que buscó toda su vida que alguien la quisiera. «No debo hacerme ilusiones –dijo poco después de que Onassis la abandonara–, la felicidad no es para mí. ¿Es demasiado pedir que me quieran las personas que están a mi lado?».

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"Como grupo estamos muy orgullosos. Es por la alegría que nos da hacer esto y que haya tanta gente que nos ha seguido durante tantos años"

“El que es capaz de sonreír cuando todo le está saliendo mal es porque ya tiene pensado a quién echarle la culpa”.

Jorge Maronna, integrante del grupo Les Luthiers, declaró hoy en España: “nunca fuimos ambiciosos y hemos visto con asombro que nuestra historia haya durado hasta ahora”.

Los míticos artistas, celebran su 50 aniversario con la gira de ‘­Chist!’, que llega a España.

“Era imposible imaginar esta perspectiva tan hermosa cuando empezamos y ganábamos unos pesitos, suficientes para gastos menores”, añadió Maronna de aquellos años en los que él, Marcos Mundstock y Daniel Rabinovich siguieron a Gerardo Masana, fundador del grupo.

Carlos Núñez ha explicado que Masana tuvo entonces ‘un chispazo genial’, el de ejecutar piezas del repertorio clásico con ‘instrumentos informales’, fórmula que, por primera vez, se la aplicaron a ‘La pasión según san Mateo’, de Bach, pero con la letra de un prospecto de laxante y conformando una orquesta de serrucho, guitarra que se tocaba al revés y tubos de ensayo que se soplaban.

A esos se han ido sumando otros instrumentos, concebidos y fabricados por ellos, hasta llegar a 40 en este medio siglo, alguno de los cuales han sufrido modificaciones, como el campanófono flagelante -‘la diferencia es que ahora el flagelado es el público’, han matizado-, del que sacarán acordes en esta gira, que terminará en la ciudad de Mérida (oeste) el 29 de este mes.

– Es maravilloso terminar en un teatro romano, podríamos hacerlo con ‘El teorema de Tales’.

– ­Que era griego!

– Bueno, Tales era una polis griega pero estaba en la costa de Turquía…

– Pues entonces lo haremos en un teatro turco.

– ¿Alguien habla griego aquí…?

Así ha transcurrido la conferencia de prensa de Les Luthiers en el Teatro de la Maestranza, con sus miembros haciendo gala de humor e inteligencia, incluso al responder preguntas que no eludían el lugar común, como la que se interesa por la lozanía del grupo tras cincuenta años de actividad:

– Nadie se ha dado por aludido. ¿De qué lozanía hablamos? No hemos entendido… -ha contestado Mundstock, quien, cuando han cesado las carcajadas, ha seguido casi en serio:

– Como grupo estamos muy orgullosos. Es por la alegría que nos da hacer esto y que haya tanta gente que nos ha seguido durante tantos años. Eso, aparte de tres horas de gimnasia cada mañana.

Unas palabras a las que Maronna ha añadido una cita de Fellini: ‘Los payasos envejecen bien’.

Sobre cómo resulta la relación entre los miembros de Les Luthiers, después de tantos años, han respondido: ‘No nos hablamos, salvo en las ruedas de prensa’.

Una respuesta matizada por Carlos López: ‘Disfrutamos del aplauso y de la risa; y valoramos las aportaciones del otro, como si fuese un círculo virtuoso’.

Mundstock explicó la virtud del humor de ‘Les Luthiers’: ‘La risa no depende de los tiempos; desde un principio nos gustó hacer un humor intemporal y lo contrario de local -decir universal es demasiado pretencioso-. Hacer un chiste con el político que está en la portada del periódico es fácil’.

Y ha puesto como ejemplo la pieza sobre el himno nacional, que ya cuenta con más de veinte años y, sin cambiarle una coma, sigue haciendo reír al público.

‘Hemos aprendido el oficio, y ampliado un poco nuestros temas; empezamos con la parodia de la música clásica, luego incorporamos tango y bolero, y después introducimos el componente teatral, y ese ha sido nuestro crecimiento; pero ese componente teatral siempre en relación con la música’, explicado Mundstock.

Ver también: “Les Luthiers”: 25 frases llenas de humor y sarcasmo en sus 50 años

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"El trabajo de periodista de Nueva York consiste en destruir la verdad, mentir claramente, pervertir, envilecer, arrojarse a los pies de Mammón, y venderse para obtener el pan de cada día"

“Ustedes lo saben, y yo lo sé; así pues ¿a qué viene esa locura de brindar a la salud de una prensa independiente?

John Swinton fue un periodista estadounidense que ejerció como Redactor en Jefe del New York Times desde 1860 hasta 1870. Después de unos años, en una noche de 1880, Swinton fue invitado a una cena de gala sobre la libertad de prensa del gremio periodístico, en donde él era uno de los homenajeados. En su discurso dijo:

“No existe lo que se llama prensa independiente, a menos que se trate de un periódico de una pequeña villa rural. Ustedes lo saben y yo lo sé. No hay ni uno solo entre ustedes que se atreva a expresar por escrito su honrada opinión, pero, si lo hiciera, saben perfectamente que su escrito no sería nunca publicado.

Me pagan 150 dólares semanales para que no publique mi honrada opinión en el periódico en el cual he trabajado tantos años. Muchos, entre ustedes, reciben salarios parecidos por un trabajo similar (…) y si alguno entre ustedes estuviera lo suficientemente chiflado como para escribir su honrada opinión, se encontraría en medio de la calle buscando un empleo cualquiera, exceptuando el de periodista.

El trabajo de periodista de Nueva York consiste en destruir la verdad, mentir claramente, pervertir, envilecer, arrojarse a los pies de Mammón, y venderse para obtener el pan de cada día.

Ustedes lo saben, y yo lo sé; así pues ¿a qué viene esa locura de brindar a la salud de una prensa independiente?.

Somos las herramientas y los lacayos de unos hombres extraordinariamente ricos que permanecen entre bastidores. Somos sus marionetas; ellos tiran de los hilos y nosotros bailamos al son que ellos quieren.

Nuestros talentos, nuestras posibilidades y nuestras vidas, son propiedad de otros hombres. Nosotros somos unos prostitutas (prostitutos) intelectuales”.

 

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En febrero de 2016 diferentes publicaciones reportaron que Eliyahu habría pedido a los colonos israelíes, a través de su cuenta de Facebook, que no permitan ser atendidos por médicos ni enfermeros árabes y todavía peor. Habría dicho que “el asesinato de palestinos era una obligación”

“El etnocentrismo religioso y el fundamentalismo propician actitudes racistas, según estudios científicos”.

Rabí Shmuel Eliyahu es rabino de la ciudad de Safed, y es uno de los rabinos más notoriamente racistas en Israel. Los fiscales consideraron acusarlo en dos ocasiones de incumplir la ley contra la incitación, pero las dos veces retrocedieron, según publica el portal Mondoweiss.

Entre otros asuntos muy polémicos, Eliyahu ha dicho públicamente que no condena los ataques conocidos como “price tag” (realizados por colonos israelís contra los palestinos), argumentando que “si el gobierno no actúa, entonces el público debe hacerlo”.

Una de sus acciones más conocidas es haber firmado una petición demandando que ningún judío pueda alquilar o vender apartamentos a quien no sea judío en su ciudad de Safed, petición a la que se unieron 300 rabinos más. Si bien el acto era abiertamente racista e ilegal, el marco jurídico en Israel contra la incitación al racismo excluye de manera específica el “debate religioso” de la ley, de tal suerte que el caso contra Eliyahu fue cerrado.

“En octubre de 2010, Eliyahu provocó una gran polémica y críticas al firmar con otros 17 rabinos una iniciativa (una especie de edicto religioso) exigiendo no vender o alquilar casas a árabes. En 2006, Eliyahu fue llevado a los tribunales por unas afirmaciones contra la población árabe. El juicio fue frenado tras llegarse a un acuerdo en el que el acusado se comprometió a retractarse de forma clara de sus declaraciones”. Eliyahu se opone a la presencia de árabes en la vieja y bíblica ciudad de Safed. “Hay que evitar que los árabes dominen nuestras calles e impongan sus costumbres”, dijo en una ocasión: (El Mundo)

 
Mondoweiss publica esta vez que Eliyahu habría dicho algo realmente perverso, validando la “violación en tiempos de guerra”, remitiendo a la publicación original para quienes lean en hebreo.

Quienes quieran revisar la publicación en inglés

1. The Comely Woman issue appears in the Bible in Deuteronomy 21. (“If you notice among the captives a comely woman and desire her, you may take her as your wife.”) However, the Talmudic sages changed the law somewhat; as can be seen in Maimonides (Hebrew) the woman is first raped in the field, and the issue of the ritualistic humiliation takes place after the war.

2. Eliyahu is lying when he says that a Comely Woman is to be released if her kidnapper dislikes her. Perusing the same Maimonides chapter, you find that she is only released if she has converted to Judaism: otherwise, “A Comely Woman who refuses to refrain from idolatry after twelve months is killed.”

 
En febrero de 2016 diferentes publicaciones reportaron que Eliyahu habría pedido a los colonos israelíes, a través de su cuenta de Facebook, que no permitan ser atendidos por médicos ni enfermeros árabes y todavía peor. Habría dicho que “el asesinato de palestinos era una obligación

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Según Will Kaufman, profesor de literatura y cultura norteamericanas de la universidad de Lancashire, Donald Trump “heredó el racismo de su padre, y probablemente fue aleccionado por su padre en ese racismo, y él trabajó con su padre para perpetuarlo”.

Canto para hacer que te sientas orgulloso de ti mismo y de tu trabajo”, declaró Guthrie en mitad de la tormenta de sus tiempos.

Hablar de Woody Guthrie, es hablar del padre de la canción de protesta, un fenómeno cultural tan estadounidense como el jazz, el blues o el rock ‘n’ roll. Guthrie se hizo cantautor cuando la Gran Depresión golpeaba duramente a Estados Unidos tras el colapso del mercado de valores de Wall Street.

Fueron tiempos duros: dentro del país había desempleo, pobreza y protestas populares. Afuera, las tensiones que finalmente llevarían a la Segunda Guerra Mundial.

De ese caldo surgió la música de Guthrie y su legado trascendió tiempo y fronteras impactando artísticamente a cantantes como Bob Dylan, Bruce Springsteen o John Mellencamp, entre muchos otros.

En América Latina influenció a artistas como los argentinos Mercedes Sosa y León Gieco, y el chileno Victor Jara, icono de la lucha contra el gobierno militar de Augusto Pinochet.

“This machine kills fascists” (esta máquina mata fascistas) es la frase que Woody Guthrie, considerado también el padre de la música folk estadounidense, llevaba escrita en su guitarra.

Sus padres lo bautizaron como Woodrow Wilson Guthrie en honor al recién electo presidente demócrata, Woodrow Wilson, a quien muchos consideraban entonces un paladín de las causas populares, lo contrario de lo que expresara Hellen keller quien mostró su total desacuerdo con la política que desarrollaba el presidente Wilson.

Volviendo a nuestro héroe de la música estadounidense, resulta que compondría y cantaría una canción quejándose de las prácticas racistas de su casero en el complejo Beach Haven de Brooklyn, refiriéndose a él como “Old Man Trump”. Se trataba efectivamente de Fred Trump, padre del actual inquilino de la Casa Blanca.

Fred Trump, de origen alemán, fue agente inmobiliario y a finales de los años veinte del s.XX se convirtió en constructor. Durante la II Guerra Mundial inició su política de acaparar contratos públicos, construyendo cuarteles y viviendas para las fuerzas armadas. Uno de estos proyectos era Beach Haven, en Nueva York, un gran edificio de apartamentos destinado a veteranos de la guerra.

Woody Guthrie quiso acceder a uno de esos apartamentos, ya que había servido en la marina mercante durante la guerra. Tan sólo un año viviendo en el complejo Beach Haven, el cantautor comenzó a odiar su nuevo hogar y hasta lo apodó “Bitch Havens”. El motivo era simple, el Sr. Trump aprovechaba las directrices de la Federal Housing Authority para lograr mantener a la población negra y otras minorías fuera de su complejo de ochocientas viviendas, algo que Guthrie, revolucionario y contestatario como era, no pudo tolerar. Lleno de ira y frustración, se quejó abiertamente en contra de este racismo dejando claro que Beach Haven nunca sería su hogar y llegándolo a llamar, proféticamente: Trump Tower.

Beach Haven no es mi hogar / no puedo pagar este alquiler / he tirado el dinero / y me han dañado el alma / Beach Haven parece el cielo / donde no vienen negros a merodear / No, no, no, viejo Trump / el viejo Beach Haven no es mi hogar.

 

Según Will Kaufman, profesor de literatura y cultura norteamericanas de la universidad de Lancashire, Donald “heredó el racismo de su padre, y probablemente fue aleccionado por su padre en ese racismo, y él trabajó con su padre para perpetuarlo”.

Fred Trump fue investigado por el Senado en 1954 por aprovecharse de los contratos públicos. Donald Trump se hizo cargo de la empresa de su padre en 1968, cuando solo tenía 22 años. En 1973, el Departamento de Justicia demandó a los Trump precisamente por racismo: los edificios de viviendas que construían estaban vedados para la clase media. Esta política de los Trump fue denuncia en un reportaje del Village Voice en 1979. Fred Trump murió en 1999. Para entonces, su hijo Donald había dejado de construir para la clase media, dedicándose al mercado de los ricos.

Compartimos una de las canciones más emblemáticas del espíritu que movía a Woody Guthrie, absolutamente contrario al oscurantismo que pretenden imponerle a la sociedad estadounidense.

This Land is Your Land

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Medio siglo después el gobernador del Estado, Michael S. Dukakis, redactó una proclamación que liberaba de toda culpa a los dos hombres, acusados de un crimen que no cometieron.

Bartolomeo Vanzetti (izquierda), esposado a Nicola Sacco (derecha) en Dedham, Corte Superior de Massachusetts.

El prejuicio hacia los extranjeros fue una de las razones que llevaron a la justicia de Estados Unidos a ejecutar a los ítalo-estadounidenses, Nicola Sacco y Bartolomeo Vanzetti por un crimen que no cometieron. Casi un siglo después la desconfianza hacia los inmigrantes es un estigma presente en el país que gobierna el republicano Donald Trump.

No hizo falta que los guardias obligaran a Nicola Sacco a acomodarse en la silla eléctrica. En italiano, su lengua natal, gritó ¡viva la anarquía! y unos pocos minutos después fue declarado muerto por las autoridades. Sin esperar, no había necesidad de hacerlo, Bartolomeo Vanzetti obedeció el mismo destino.

Era la medianoche del 23 de agosto de 1927. El Estado de Massachussets acababa de ejecutar a través del paso de la corriente eléctrica, a Sacco y a Vanzetti, acusados de haber asesinado a dos transportadores de caudales durante un robo a mano armada a una empresa de zapatos.

Medio siglo después el gobernador del Estado, Michael S. Dukakis, redactó una proclamación que liberaba de toda culpa a los dos hombres, acusados de un crimen que no cometieron.

Además de declarar el 23 de agosto como el día de Sacco y Vanzetti, Dukakis proclamó que “la atmósfera del juicio estuvo permeada por prejuicios contra los extranjeros”.

“El juicio y ejecución de Sacco y Vanzetti deben servir para recordar a todos las personas civilizadas la necesidad constante de guardarse contra toda susceptibilidad hacia el prejuicio, nuestra intolerancia hacia ideas no ortodoxas y nuestro fracaso para defender los derechos de las personas que son consideradas como extranjeras entre nosotros”, dijo Dukakis en la proclamación. Además de su condición de italianos, Sacco y Vanzetti eran también anarquistas, y la ferviente intolerancia de la sociedad estadounidense hacia su ideología influyo en la opinión pública y en la sentencia de los jueces.

Casi un siglo después, el presidente de Estados Unidos, Donald Trump, ha reavivado la polémica sobre cómo el extranjero, o lo que se considera extranjero, es percibido en el imaginario colectivo de EEUU.

Pocos son los grupos que no han sido objeto de los dichos del presidente, pero los afroamericanos, los musulmanes y los latinos, sobre todo los mexicanos, se han llevado la mayor parte de los ataques del mandatario.

“Cuando México nos manda gente, no nos mandan a los mejores. Nos mandan gente con un montón de problemas, que nos traen drogas, crimen, violadores”, acusó sin tapujos Trump en su discurso de lanzamiento de su candidatura para las primarias del Partido Republicano en junio de 2015.

“El racismo y la xenofobia es parte de la historia de Estados Unidos”, dice Jesús Peña Muñoz, investigador del Colegio del Frontera Norte. “Siempre está el discurso de que es un país construido por inmigrantes. Pero detrás de eso viene la pregunta de ¿qué tipo de inmigrantes?”

En un momento fueron los asiáticos, los irlandeses, o los italianos entre otros colectividades que sufrieron el estigma del inmigrante.

“Siempre hubo esta narrativa del extranjero como una amenaza. No estamos retrociendo [a los tiempos de Sacco y Vanzetti] sino que están resurgiendo cosas que estaban enterradas en la sociedad estadounidense y esperaron a que hubiera una autoridad como el presidente Trump que lo hiciera casi políticamente correcto o autorizar a decir estas cosas en voz alta”.

 
La situación no ha cambiado desde hace más de 150 años, explica José Valenzuela Arce, investigador del departamento des Estudios Culturales del Colegio del Frontera Norte.

“El prejuicio está presente. Ahora tenemos la exaltación de las voces supremacistas que hacen de la discriminación un recurso para la exclusión. Se han puesto en escena a partir del discurso vociferante de Donald Trump”, dice Valenzuela.

Desde el inicio de la historia de Estados Unidos los mexicanos como los afroamericanos están en el centro del odio racial, explica el investigador.

Pero luego llegó Trump y cambió el panorama.

“Ahora el foco del odio son los mexicanos”, dice Peña. Durante décadas la inmigración hispana fue uno de los receptores de la xenofobia estadounidense, pero luego de varias generaciones presentes en EEUU, algunos miembros de la comunidad han logrado ocupar posiciones de poder, tanto en la política como en otros ambientes. “Ya no es tan fácil culpar a los hispanos. Entonces ahora son solo los mexicanos”, dice Peña.

Tanto para Peña como para Valenzuela, los mexicanos comparten hoy con los musulmanes el puesto de destinatarios del sentimiento anti-inmigratorio.

“Trump visibiliza la narrativa que ya estaba ahí. Pero la mayoría de los estadounidenses no están de acuerdo con la exaltación de los discursos xenofóbicos, racistas y discriminatorios”, dice Valenzuela.

El 22 de agosto en un mitín en Phoenix, Arizona, Trump defendió el trabajo del ex sheriff Joe Arpaio que se convirtió en un polémico símbolo nacional por su lucha contra los inmigrantes indocumentados. Además el mandatario volvió a traer al debate la construcción del muro en la frontera sur del país que debería poner fin a la llegada de inmigrantes del otro lado del río Grande. El jefe de Estado incluso amenazó con cerrar el gobierno federal si no le daban los fondos para construir la pared.

“La tensión va ir en aumento”, dice Valenzuela.

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Cientos de miles de años previos a este evento, el linaje Neandertal-Denísova estaba casi extinto, con unos pocos centenares de individuos, determinó el trabajo.

Usando un nuevo método de análisis de la secuenciación del ADN, los expertos hallaron además que esta especie se separó de otro misterioso linaje.

Una nueva forma de utilizar el ADN para escudriñar la historia de la humanidad está reescribiendo lo que los expertos saben sobre los neandertales. Así lo dio a conocer este 7 de agosto un estudio estadounidense publicado en las Actas de la Academia Estadounidense de Ciencias (PNAS).

Trabajos previos sugirieron que cerca del final de su existencia, hace unos 40,000 años, la población de esta especie no superaba los 1,000 individuos. Por el contrario, la nueva investigación apunta a que los neandertales formaron, probablemente, varios grupos aislados a lo largo de Europa. Así, en realidad, fueron globalmente mucho más numerosos.

Para llegar a esta conclusión se tomaron en cuenta pistas genéticas que incluyen el propio ADN del neandertal, el cual contiene mutaciones que generalmente ocurren en una población pequeña con poca diversidad.

“La idea es que existieron estos pequeños grupos geográficamente aislados, como en islas, que interactuaban de vez en cuando pero que, más bien, tendían a permanecer entre ellos”, explicó Ryan Bohlender, especialista de la Universidad de Texas y coautor del estudio.

 

Usando un nuevo método de análisis de la secuenciación del ADN, los expertos hallaron además que esta especie se separó de otro misterioso linaje, conocido como los denisovanos, alrededor de 744,000 años atrás, muchos antes de lo que se creía.

Cientos de miles de años previos a este evento, el linaje Neandertal-Denísova estaba casi extinto, con unos pocos centenares de individuos, determinó el trabajo. Sin embargo, tras la separación, los neandertales experimentaron un fuerte incremento demográfico, llegando a decenas de miles, explica el documento.

“Hay una rica colección de fósiles de neandertales y de lugares donde dejaron vestigios”, destacó Alan Rogers, profesor de la Universidad de Utah, quien dirigió el estudio. De acuerdo con este investigador, “es difícil imaginar que esto hubiera sido posible si la población no superaba las 1,000 personas en la Tierra, especialmente en Europa”.

 

“Nuestras estimaciones muestran la presencia de una gran población de esta especie que contribuyó al patrimonio genético de los humanos modernos”, añadió Rogers. Este nuevo enfoque confirma que los seres humanos euroasiáticos de la actualidad tienen alrededor de un 2% de genes neandertales en su genoma.

 

Para su estudio, los científicos utilizaron un método estadístico que permitió reconstruir la evolución de los diferentes grupos de población –africanos y eurasiáticos modernos, neandertales y denisovanos– con base en la frecuencia de los rasgos genéticos compartidos.

Así, fue posible determinar cuándo estos grupos se separaron y los tamaños de las poblaciones respectivas que han contribuido a la reserva genética.

Este trabajo también mostró un cuello de botella insospechado en la historia de los neandertales y los denisovanos, reveló el profesor Alan Rogers.

Se dice que una población sufre un cuello de botella cuando ha experimentado un drástico descenso en el número de miembros y la posterior aparición de una nueva población formada por los sobrevivientes de la antigua, con características genéticas radicalmente diferentes.

 

Entre Noticias/Agencias

 

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HBO compartió en YouTube un video que revela varios detalles de despliegue técnico que se realizó para grabar la batalla denominada ‘The Loot Train Attack’ (El ataque al tren del botín), considerada una de las más épicas por los fanáticos de Game of Thrones.

Las escenas pertenecen al cuarto episodio de la séptima temporada de la serie y según los realizadores, aquí se batió el récord de la mayor cantidad de extras quemándose al mismo tiempo, debido al ataque de los dragones.

El rodaje se realizó en Los Barruecos, un paraje natural de España; se necesitaron 27 carruajes a los que le prendieron fuego; sin embargo se utilizó pintura para darle una apariencia carbonizada.

El director Matt Shakman, comentó que se necesitaron más de cuatro cámaras para grabar las escenas más complejas, como la llegada de los Dothraki al campo de batalla. El making off publicado en YouTube dejó aún más sorprendidos a los seguidores de Game of Thrones.

 

Entre Noticias/Agencias

 

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Matt - Netflix

La serie será producida por The ULULU Company de Netflix y Groening será productor ejecutivo, junto con Josh Weinstein.

Matt Groening, famoso por Los Simpson ahora se enfocará para realizar una serie animada para la plataforma Netflix.

Groening realizará Disenchanment (Desencanto), que contará la historia de una princesa, Bean, quien tiene problemas con el alcohol, en el reino medieval de Dreamland. Bean contará con la compañía de Elfo y su demonio personal, Luci. Las voces de los tres personajes serán realizadas por Abbi Jacobson, Nat Faxon y Eric Andre, respectivamente.

La nueva serie será estrenada en 2018 y la primera temporada tendrá 10 episodios.

Durante sus desaventuras, el trio se encontrará con ogros, espíritus, arpías, troles y personajes con inteligencia limitada.

“Disenchantment será sobre la vida y muerte, amor y sexo, y cómo mantener riendo a las personas en un mundo lleno de sufrimiento e idiotas, pese a lo que los más grandes y magos y otras personas le digan a Bean”, reveló Groening.

 

La serie será producida por The ULULU Company de Netflix y Groening será productor ejecutivo, junto con Josh Weinstein.

“Disenchantment” ha estado en progreso por más de año y medio, de acuerdo con Deadline y se sumará a series animadas como BoJack Horsemen, F Is For Family, entre otras que ha estrenado Netflix.

Groening es el creador de Los Simpson, serie de Fox, que fue estrenada en 1989 y hasta 2017 ha estrenado 28 temporadas.

 

Entre Noticias/Agencias

 


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